Entretien avec Florian W. Mueller

Tenir un motif réussi entre ses mains sous forme d’impression est une étape passionnante pour chaque photographe, qui donne une autre dimension au processus créatif de la photographie. L’utilisation du bon papier joue un rôle important dans ce processus. Pour vous aider à faire votre choix, le photographe de renommée internationale Florian W. Müller vous dévoile aujourd’hui ses critères pour le papier Fine Art parfait, en s’appuyant sur trois de ses séries de photos. Pour ce faire, il a divisé les papiers Fine Art en trois groupes et a ainsi sélectionné le papier adapté à chaque motif.  

• Catégorie 1 : Papiers aux textures discrètes  

• Catégorie 2 : Papiers brillants avec une texture haptique à fort caractère  

• Catégorie 3 : Papiers mats avec des textures clairement visibles  

Florian, comment catégoriserais-tu les papiers Fine Art ? Quelles différences sont importantes pour vous ? 

En gros : brillant, mat et texturé. Et pour chaque point, il y a encore des différences et des nuances. Et chaque motif peut augmenter considérablement son propre impact avec une image choisie en conséquence.

WhiteWall établit de nouvelles normes, en particulier en ce qui concerne le choix des papiers Fine Art. WhiteWall propose des papiers Hahnemühle et Canson. Ceux-ci peuvent être classés dans les catégories mentionnées. Cela m'aide à choisir le bon papier pour des motifs ou des séries de motifs. Nous pouvons nous en rendre compte à merveille en examinant trois séries de mes travaux. 

Peux-tu nous dire comment tu es arrivé à la photographie?  Et parle-nous un peu de tes œuvres.

En tant que photographe, je suis autodidacte. Mais j'ai fait de la photo toute ma vie. Depuis que mon père m'a montré le développement magique d'une image dans sa chambre noire. Je lui en serai toujours reconnaissant. À 6 ans, il m'a offert mon premier appareil photo, un Agfa Rapid avec les modestes réglages « soleil », « nuages » et « flash ». J'ai toujours cet appareil photo. Peu après, il m'a montré sur un vieux Voigtländer l'interaction entre la vitesse d'obturation et le diaphragme, et ainsi de suite.

J'avais certes gagné mon pain à la radio et à la télévision, mais les premières commandes de clients et d'agences sont arrivées pendant mes études. En outre, j'ai travaillé en parallèle comme photographe de plateau et photographe sur pied pour des productions cinématographiques et télévisuelles.

Après avoir organisé moi-même mes premières expositions avec deux amis photographes, qui ont été très bien accueillies, j'ai décidé de faire de la photographie mon activité professionnelle principale. Assez rapidement, des travaux de commande ont vu le jour, et j'ai la chance que les clients s'orientent souvent vers des travaux libres et plutôt artistiques. C'est évidemment super. Aujourd'hui, je travaille et publie au niveau international, mes travaux sont exposés et récompensés dans le monde entier. Je suis professionnel au sein du BFF, membre de la DGPh et de l'AOP (Association of Photographers) anglaise.

Parle-nous de tes photos. Quel est ton intérêt particulier, comment choisis-tu les couleurs, la composition, les thèmes, etc. ?

Dans mes séries libres, il s'agit souvent de représentations abstraites à l'aide d'expositions multiples, de différents niveaux ou d'abstraction par réduction, voire concentration. Par exemple, des fragments d'architecture qui sont détachés de leur contexte spatial ou qui acquièrent un niveau graphique grâce à plusieurs niveaux de photographie. Ou bien il s'agit de la protection des espèces, ou de la mise en évidence des imbrications dans notre environnement, dans lequel l'homme intervient de manière sensible et perturbe l'équilibre de la nature. Comme par exemple dans les séries « Anima », « Ikarus », « Samsa » et « Basilisk », qui sont réunies dans le groupe d'œuvres « Equilibrium » et qui ont été créées avec le soutien reconnaissant de l'Institut Senckenberg.

Je m'inspire de tout, l'art est un facteur important, je suis depuis très longtemps un grand fan des expressionnistes, en particulier de Lyonel Feininger ou de l'expressionniste abstrait Jackson Pollock. La musique joue un rôle, tout comme les films. Mais aussi le quotidien le plus banal. Il existe un principe appelé sérendipité, ou sérendipity en anglais, qui est également plus connu dans les pays anglophones. Il s'agit - pour simplifier - de trouver quelque chose que l'on n'a pas cherché. Cela signifie que si l'on se promène avec les antennes ouvertes, on découvre toujours quelque chose de nouveau et de passionnant, même si l'on est déjà passé devant mille fois. Je l'appelle le « tamis de la perception ». Cela vaut la peine d'y jeter un coup d'œil plus souvent !

Mon armoire thématique comporte de nombreux tiroirs, de la macrophotographie aux paysages et à l'architecture, en passant par les natures mortes et, comme je l'ai dit, l'abstrait. Dans le domaine publicitaire, j'ai souvent des voitures devant l'objectif et, comme je l'ai dit, j'ai la chance que l'idée créative soit souvent au premier plan dans ce domaine également. Je suis toujours content quand un client ne veut pas le statu quo, mais a envie d'emprunter de nouvelles voies.

J'ai également un lien plutôt subconscient avec les couleurs. Je suis synesthète, ce qui signifie - pour simplifier - que les couleurs, entre autres, sont associées chez moi à certains tons et inversement. Les impressions sensorielles ne sont donc pas limitées à leur « canal » respectif (l'ouïe, la vue, le goût), mais communiquent parfois de manière désordonnée. Les images colorées et abstraites de « Lyonel 2000 » (mon petit hommage à Lyonel Feininger) ont donc aussi pour moi un niveau musical. Mais là aussi, peu de choses se passent selon un plan précis, il s'agit beaucoup de tâtonnements, de « ressentir ».

Comment ton style artistique a-t-il évolué au fil des ans et quelles sont les influences qui ont marqué ton travail ?

Je ne sais pas si mon travail a changé et dans quelle direction. Rétrospectivement, il y a certainement des images que je ferais différemment aujourd'hui, mais cela est souvent dû au traitement. Il vaut toujours la peine de regarder avec un certain recul si la conception n'a éventuellement qu'une courte durée de vie. Les progrès techniques ont certainement fait évoluer les choses. De nouvelles possibilités créatives de présenter mon travail sur WhiteWall peuvent aussi être un booster pour de nouveaux projets. Depuis que je photographie avec Leica, la photographie elle-même a atteint un nouveau niveau et j'essaie souvent de pousser l'appareil photo à ses limites. Le fait que je voyage beaucoup dans le monde pour mon travail a certainement élargi mon horizon et les influences qui se retrouvent dans mon travail. Mais ce sont certainement les discussions avec mes collègues qui m'ont fait progresser. Il n'est pas exagéré de dire que ma courbe d'apprentissage photographique est montée en flèche depuis que je suis membre du BFF et de l'AOP anglaise. Les rencontres, les expositions et les discussions sont une grande source de motivation pour moi.

As-tu des formats ou des techniques préférés, et pourquoi ?

En ce qui concerne les formats, je ne suis pas fixé. Il fut un temps, lorsque j'ai organisé mes premières expositions personnelles, où je ne présentais presque que des images carrées. Aujourd'hui, je me demande ce qui m'a pris. « Form follows Function », cela vaut aussi pour moi dans la photographie. Seulement, dans la photographie artistique, le terme « fonction » a souvent une autre signification que dans la publicité ou le design. Cette fonction est le lien souvent abstrait entre le spectateur et l'image. Subjective et généralement inconsciente. J'aime bien essayer. Enfreindre les règles supposées en fait partie : Les paysages ne doivent pas forcément être au format horizontal, les images rondes : Pourquoi pas ! Petite anecdote : j'ai participé une fois à une exposition de groupe dans une galerie de Nottingham, en Angleterre. J'ai été invité à apporter ma contribution au thème « Contemporary Photography ». WhiteWall proposait des images rondes, assez récentes, je crois. Je travaillais justement sur une série de doubles expositions de paysages et de surfaces de béton et je me suis dit « Rond ? Super ! » Il y avait quelques-unes de ces images dans la galerie et je me trouvais souvent à côté de visiteurs pour qui c'était très nouveau et inhabituel. J'ai très souvent entendu « It's beautiful. But... it's round ! » Une discussion s'est engagée entre le spectateur et mon travail. Le format n'était que l'accroche. Les réactions ont été (presque) toutes positives, les images sont restées en mémoire.

Dans quelle mesure les expériences ou les émotions personnelles se reflètent-elles dans ton art et comment influencent-elles tes choix créatifs ?

Tout ce que nous vivons, tout ce qui nous émeut, tout ce qui nous fait peur ou nous fait plaisir, consciemment ou inconsciemment, influence nos pensées, nos sentiments et nos actions. Cela vaut aussi pour l'art. Ici, peut-être encore plus, parce que nous agissons (soi-disant) plus librement et plus personnellement. Je n'irais pas jusqu'à dire que je peux attribuer certaines séries ou images à une certaine phase émotionnelle de ma vie. Mais il y a en tout cas des tendances. Ici et là, on m'a surnommé le « Dunkel-Müller », parce que mes tableaux sont très souvent plutôt sombres. En quelque sorte, plus mineures que majeures. Pourtant, je ne suis pas (si souvent) d'humeur mélancolique ou sombre, ce que l'on pourrait peut-être associer (superficiellement) à cette conception. J'y vois davantage de possibilités de pause, de calme, de contemplation. Si tout n'est pas immédiatement reconnaissable, si des liens avec une image ne peuvent se créer que parce que l'on cherche des points de repère, des points d'attache, on a la possibilité d'aborder une image différemment. Mais ce n'est que ma théorie, il n'y a pas de plan derrière, cela se fait involontairement. Un autre exemple de (mon) niveau émotionnel d'une image, ou d'une série : j'aime beaucoup New York, même si cette ville, surtout Manhattan, est terriblement bruyante, que tout y est frénétique, que les gens sont souvent rudes (mais chaleureux). Pourtant, paradoxalement, je peux me sentir très à l'aise, presque détendue, dans ce chaos. J'ai voulu immortaliser cette expérience par une image. Il en résulte les images de la série « Multivision ». Des expositions multiples chaotiques qui montrent exactement cela : elles sont désordonnées, chaotiques, et pourtant elles dégagent un calme étrange. Ont suivi, entre autres, Hong Kong et Istanbul en tant que motifs, c'est le même principe.

Qu'est-ce qui rend les Fine Art Prints si particuliers pour toi ? Pourquoi as-tu choisi WhiteWall ?

Premièrement, j'aime travailler avec des professionnels. Deuxièmement, l'échange est formidable, je ne connais certainement pas toutes les manières de présenter une image, avec WhiteWall j'ai tellement de possibilités que je ne connais peut-être pas celle qui me convient. C'est là qu'intervient l'échange, le conseil. Et en plus, c'est simple. Lorsque je prépare une exposition, je sais que j'ai un partenaire à mes côtés qui me soutient, qui est à l'écoute de mes questions et qui a peut-être une idée qui ne m'est pas venue à l'esprit. Ce qui est également important pour moi, c'est que les images sont produites ici, sur place. De la baguette d'encadrement à l'impression Fine-Art (ou l'exposition) ou le contrecollage. Tout est réalisé ici, près de Cologne.