Il mondo del bianco e nero con Alexandre Souêtre

Foto: Alexandre Souêtre // Stampa Ilford B/N con nitidezza ultraHD dietro vetro acrilico con cornice Slimline in nero

Come descriveresti la tua fotografia? 

Penso che sia difficile descrivere la propria fotografia perché il più delle volte i fotografi tendono ad essere le persone meno affidabili nel parlare del proprio lavoro. Credo che ci si possa fare un’idea migliore dalle impressioni degli altri, ma nel mio caso credo di trattare la fotografia con un approccio più grafico e compositivo che pragmatico.

Quindi tendo ad essere un po’ più attento all’impressione visiva che alla narrazione. Credo che descriverei la mia fotografia, almeno per quanto riguarda il modo in cui scatto le foto, con un approccio più basato sulla composizione grafica che su un approccio più pragmatico. In altre parole, credo di tendere a concentrarmi maggiormente sulla composizione e sull’impressione, l’impressione visiva, che l’osservatore potrebbe ricavarne rispetto all’aspetto narrativo della fotografia.

Perché fotografi in bianco e nero?

Fotografo in bianco e nero perché penso che offra un’esperienza leggermente diversa all’osservatore e per me è piuttosto eccitante adottare questo approccio, perché se penso ai colori, che apprezzo molto, possono essere davvero potenti nel trasmettere emozioni, ma funzionano singolarmente. Quando si guarda al bianco e nero, si inizia a perdere il senso di questo aspetto e si offre un punto di vista diverso su una scena o un soggetto a chi guarda le fotografie.

Cosa rappresenta per te la fotografia in bianco e nero?

Credo che la fotografia in bianco e nero, soprattutto quando si tratta di fotografia analogica, riguardi i dettagli, la complessità con cui puoi osservare, ad esempio, un tipo di pellicola e la fotocamera con cui la utilizzerai e vedere il risultato, che inizialmente sembra molto, molto piccolo e quasi difficile da percepire. Ma più scatti fotografie e più inizi a notare il comportamento di alcuni tipi di pellicola in bianco e nero.

E la cosa diventa molto interessante. E questo è solo un primo passo. Una volta che inizi a scannerizzare il lavoro, a elaborarlo e a lavorarci, ti rendi conto che la fotografia in bianco e nero è molto più ricca di quanto tu possa immaginare all’inizio. Per me la fotografia in bianco e nero si basa sui dettagli e sulla complessità del processo, dalla pellicola che scegli alla fotocamera con cui la userai.

Ti mancano i colori quando guardi una fotografia in bianco e nero?

Il soggetto, il processo di stampa e la possibilità di perfezionare il processo sono davvero entusiasmanti. Non credo di sentire la mancanza dei colori quando guardo le mie fotografie in bianco e nero in generale perché, e credo che questo valga per una buona fotografia in bianco e nero, quando la guardi dovresti quasi dimenticarti della presenza dei colori.

Quali emozioni ti suscita una foto in bianco e nero?

In un certo senso sposta l’attenzione dal mondo dei colori, se questo ha senso. Se guardo una foto in bianco e nero che ho scattato e penso ai colori che esistevano all’interno di quel mondo, mi sembra di non essere arrivato al punto giusto di come dovrebbe apparire. È un po’ un cliché, ma per me la fotografia in bianco e nero evoca un momento sospeso nel tempo, che in un certo senso è l’atemporalità che se ne ricava.

Inoltre, ciò che mi piace davvero della fotografia in bianco e nero è che è un ottimo strumento per trasmettere emozioni molto sottili, come qualcosa di leggermente oscuro e minaccioso. Ma dall’altro lato, anche qualcosa di morbido e agrodolce. È una tavolozza molto interessante con cui giocare in fotografia. Ci sono molti altri fotografi che mi ispirano e, onestamente, la maggior parte di loro sono in qualche modo anonimi per me, perché credo di essere esposto a molte fotografie e molte di loro mi hanno fatto una buona impressione.

Ci sono fotografi che ti ispirano in particolare?

Trovo che ci sia una buona dose di sovrapposizione tra arte e media. E trovo che questo sia fonte di ispirazione, che si tratti di musica, design grafico, cinematografia, in molti modi penso che possano ispirare qualcuno nella fotografia. Per quanto mi riguarda, direi che registi come Chris Cunningham o illustratori di fumetti come Marcel Gottlieb mi hanno probabilmente ispirato nel mio lavoro fotografico, probabilmente in modo inconscio.

Pensi o vedi il bianco e nero mentre lavori con la tua macchina fotografica?

Non credo di pensare o vedere in bianco e nero quando scatto fotografie destinate al bianco e nero, ma probabilmente lo faccio per estensione, perché credo di tendere a concentrarmi sul soggetto quasi in un modo in cui le tonalità dei colori diventano sfumature.

Pensi alla stampa quando inizi a lavorare?

Non penso spesso alla stampa quando scatto le foto, ma credo sia una conseguenza della realtà odierna, perché è un po’ difficile permettersi di pensarci costantemente. Ma se inizi a pensare alla stampa, quando scatti delle foto, diventa molto eccitante perché offre un modo molto più ricco di far consumare il tuo lavoro agli spettatori.

E c’è un intero processo intermedio che potrebbe entusiasmarti mentre scatti fotografie. Penso alla stampa quando inizio a lavorare, quando inizio a scattare foto, ma spesso la vedo come una forma di consumo più intimo perché la realtà di oggi è diventata molto più legata al consumo digitale. Di solito è più veloce, è più piccolo e tutto ciò eleva la stampa perché la sento come un modo molto speciale di mostrare il tuo lavoro, di condividerlo e di far sì che le persone lo consumino.

Soprattutto perché, dal mio punto di vista, la penso allo stesso modo sul consumo della fotografia in generale. E l’idea che il tuo lavoro possa essere consumato, stampato su una parete o in un libro, mentre scatti o lavori, è molto eccitante. La realtà del consumo odierno è un po’ più digitale, più veloce e più piccola, ma per molti versi eleva il lavoro stampato perché offre un’esperienza ancora più speciale per te come artista, ma anche per le altre persone, come consumatori, e mantenere questa consapevolezza quando si lavora o si scatta, almeno per me, è un’esperienza molto eccitante.

Foto: Alexandre Souêtre // Canson Baryta Prestige II e cornice Amburgo in nero con passepartout

Quale tecnica ami di più quando si tratta di fotografia in bianco e nero?

Ad essere sincero. Non sono un fotografo molto tecnico. Non sono mai stato un fotografo molto tecnico. Non sono andato a scuola di fotografia. Mi sono lasciato guidare dal mio istinto. E penso che per molti versi ho lo stesso approccio quando si tratta di scattare fotografie in bianco e nero e di elaborarle, lavorarle e pubblicarle.

E penso che spesso i soggetti, la composizione e lo stato d’animo generale che si ottiene da un ambiente in cui si scatta la fotografia tendono ad avere un impatto sul modo in cui il bianco e nero verrà percepito alla fine.

Se dovessi scegliere una fotografia, quale sceglieresti?

C’è una foto che ho scattato circa due o tre anni fa che mi ha colpito in modo particolare e, soprattutto riguardandola più volte, continua a incuriosirmi più di altre foto che ho scattato, soprattutto perché c’è qualcosa, ancora una volta, di quasi progettuale nella composizione, nelle forme, nelle ombreggiature, nella posizione del soggetto.

E per molti versi il modo in cui ha scelto di esprimersi, il modo in cui ha scelto di inquadrarla perché si è angolata, credo che diventi per me un soggetto molto interessante, perché mi sono reso conto che guardandola da lontano o da vicino si ha un’esperienza molto diversa. Ma in entrambi i casi, ti fa venire voglia di continuare a guardarla e di trovare piccoli dettagli.

C’è un po’ di capelli su un lato. Ci sono molte texture. Ci sono alcune sfumature negli angoli. Penso che sia interessante quando si inizia ad attirare lo sguardo verso gli angoli rispetto al centro. Quindi, credo che per molti versi questa foto mi assomigli. Mi sembra di fotografare quello che faccio, ma anche qualcosa di molto diverso.

Potrebbe essere un caso fortunato, ma è una foto che mi ha reso molto felice.

Cosa significa per te stampare il tuo lavoro?

Stampare il tuo lavoro di fotografo è probabilmente il traguardo più grande. Per molti versi sembra un completamento, e credo che lo sia. Credo che la fotografia sia sempre stata destinata a essere: stampata. Ora forse abbiamo trovato altri modi per consumarla, ma alla fine è quello il suo posto. Che sia in un libro, che sia su carta fotografica, in una galleria, sul muro o a casa di qualcuno.

È quello il posto della fotografia. Quando si tratta di configurare le foto sulla parete, tendo a vedere la cosa in modo più spaziale. Credo che per molti versi, vedere le foto sulla parete con la coda dell’occhio o anche guardare le foto involontariamente mentre ci si concentra su un altro soggetto sia altrettanto importante di quando si osserva intenzionalmente una foto.

Per questo motivo penso a qualcosa che sta sullo sfondo tanto quanto a qualcosa che sta in primo piano.

Quali requisiti hai per un’immagine quando configuri una foto per la tua parete?

Quando si tratta di configurare una fotografia sulla parete, penso che sia molto utile avere a disposizione qualsiasi tipo di strumento che ti dia la possibilità di vedere in anteprima il modo in cui verrà incorniciata e il modo in cui verrà posizionata, perché spesso è difficile immaginare la fotografia in anticipo e quando guardi qualcosa che ti sembra giusto, sai subito che non ci sono esitazioni.