Entrevista con Florian W. Mueller

Tener en las manos un motivo logrado en forma de impresión es un paso emocionante para todo fotógrafo, que añade otra dimensión al proceso creativo de la fotografía. El uso del papel adecuado desempeña un papel importante en este sentido.

Para ayudarle a hacer la elección correcta, el fotógrafo de renombre internacional Florian W. Müller revela hoy sus criterios sobre el papel para bellas artes perfecto basándose en tres de sus series fotográficas. Ha dividido los papeles para bellas artes en tres grupos y ha seleccionado el papel adecuado para cada motivo.  

• Categoría 1: Papeles con estructuras sutiles

• Categoría 2: Papeles brillantes con una textura táctil y con carácter

• Categoría 3: Papeles mates con estructuras claramente visibles

Florian, ¿cómo clasificaría los papeles para bellas artes? ¿Qué diferencias son importantes para usted?

A grandes rasgos: brillantes, mates y texturados. Y hay diferencias y matices para cada punto. Y cada motivo puede potenciar significativamente su propio efecto con una imagen seleccionada adecuadamente.

WhiteWall establece nuevos estándares, especialmente en la selección de papeles para bellas artes. WhiteWall ofrece papeles de Hahnemühle y Canson. Éstos pueden dividirse en las categorías mencionadas. Esto me ayuda a elegir el papel adecuado para motivos o series de motivos. Podemos visualizarlo maravillosamente observando tres series de mi obra.

¿Puede contarnos un poco cómo se hizo fotógrafo? Y cuéntenos algo sobre su trabajo.

Como fotógrafo, soy autodidacta. Pero llevo haciendo fotos toda la vida. Desde que mi padre me enseñó la magia de revelar una foto en su cuarto oscuro. Siempre le estaré agradecido por ello. Me regaló mi primera cámara cuando tenía 6 años, una Agfa Rapid con los modestos ajustes «sol», «nubes» y «flash». Todavía conservo esa cámara. Poco después, me enseñó la interacción de la velocidad de obturación y el diafragma, etc., en una vieja Voigtländer. Aunque me había ganado la vida en la radio y la televisión, los primeros encargos de clientes y agencias llegaron cuando aún estaba estudiando. También trabajé como fotógrafo de fotografía fija y de plató para producciones de cine y televisión. Cuando organicé mis primeras exposiciones con dos amigos fotógrafos y tuvieron buena acogida, decidí centrar mi carrera en la fotografía. Relativamente rápido, también empecé a hacer trabajos por encargo, en los que tengo la gran suerte de que los clientes suelen orientarse hacia el trabajo libre y más artístico. Eso es genial, por supuesto. Hoy trabajo y publico internacionalmente, mi obra se expone y recibe honores en todo el mundo. Soy profesional de la BFF, miembro de la DGPh y de la AOP inglesa (Asociación de Fotógrafos).

Cuéntenos algo más sobre su arte. Cuál es su interés particular, cómo elige los colores, la composición, los temas, etc.?

Mis series libres tratan a menudo de representaciones abstractas con ayuda de exposiciones múltiples, diferentes capas o abstracción mediante reducción o concentración. Por ejemplo, fragmentos arquitectónicos que se desprenden de su contexto espacial o a los que se da un nivel gráfico mediante varias capas de fotografía. O se trata de proteger especies o poner de relieve las interrelaciones de nuestro entorno, en las que el ser humano interviene de forma sensible y altera el equilibrio de la naturaleza. Por ejemplo, en las series «Anima», «Ikarus», «Samsa» y «Basilisk», que se reúnen en el grupo de obras «Equilibrium» y fueron creadas con el agradecido apoyo del Instituto Senckenberg.

Me inspiran todo tipo de cosas, el arte es un factor importante, soy un gran admirador de los expresionistas desde hace mucho tiempo, especialmente de Lyonel Feininger y del expresionista abstracto Jackson Pollock. La música desempeña un papel importante, al igual que el cine. Pero también lo cotidiano. Existe un principio llamado serendipia, que también es un término más utilizado en los países anglosajones. En pocas palabras, se trata de encontrar algo que no estabas buscando. Esto significa que si caminas con las antenas abiertas, siempre descubrirás algo nuevo y emocionante, aunque hayas pasado por delante mil veces. Yo lo llamo el «colador de pelusas de la percepción». Merece la pena echar un vistazo más a menudo.

Tengo muchos temas diferentes, desde macrofotografía y bodegones hasta fotografía abstracta, paisajes y arquitectura. En cuanto a la publicidad, a menudo tengo coches delante del objetivo y, como ya he dicho, tengo la suerte de que la idea creativa también suele ser la protagonista. Siempre me alegro cuando un cliente no quiere el statu quo, sino abrir nuevos caminos.

También tengo una conexión subconsciente con los colores. Tengo sinestesia, es decir, que asocio colores con determinados tonos y viceversa. Por tanto, las impresiones sensoriales no sólo se limitan a su respectivo «canal» (oído, vista, gusto), sino que a veces se comunican en una mezcla salvaje. Los cuadros coloridos y abstractos de «Lyonel 2000» (mi pequeño homenaje a Lyonel Feininger) también tienen, por tanto, un nivel musical para mí. Pero tampoco en este caso sucede nada según un plan concreto, sino que se trata en gran medida de probar cosas, de «tantear el terreno».

¿Cómo ha evolucionado su estilo artístico a lo largo de los años y qué influencias han modelado su obra?

No sé si mi trabajo ha cambiado y en qué sentido. En retrospectiva, sin duda hay fotos que hoy haría de otra manera, pero eso suele depender de la edición. Siempre merece la pena echar un vistazo a distancia para ver si el diseño puede tener una vida media corta. El progreso técnico ha cambiado mucho las cosas. Las formas nuevas y creativas de presentar mi trabajo en pantalla blanca también pueden ser un estímulo para nuevos proyectos. Desde que disparo con Leica, la fotografía en sí también ha alcanzado un nuevo nivel y a menudo intento llevar la cámara hasta sus límites. El hecho de que viaje mucho por el mundo por motivos de trabajo ha ampliado sin duda mis horizontes y, por tanto, también las influencias que se reflejan en mi trabajo. Sin embargo, las conversaciones con los colegas sin duda me han ayudado mucho. No exagero si digo que mi curva de aprendizaje fotográfico ha subido vertiginosamente desde que me uní al BFF y a la AOP inglesa. Los encuentros, las exposiciones y los debates son una gran motivación para mí.

¿Tiene formatos o técnicas preferidos y por qué?

En cuanto a formatos, no soy fijo. Hubo un tiempo, cuando organicé mis primeras exposiciones, en que casi sólo mostraba fotos cuadradas. Hoy me pregunto qué me pasaba entonces. «La forma sigue a la función» también se me aplica en fotografía. Pero en la fotografía artística, el término «función» suele tener un significado diferente al de la publicidad o el diseño. Esta función es la conexión, a menudo abstracta, entre el espectador y la imagen. Subjetiva y normalmente subconsciente. Me gusta probar cosas. Romper las supuestas reglas forma parte de ello: Los paisajes no tienen por qué tener formato apaisado, las fotos redondas: ¿Por qué no? Una pequeña anécdota: una vez participé en una exposición colectiva en una galería de Nottingham, Inglaterra. Me invitaron a aportar mi trabajo sobre el tema «Fotografía contemporánea». Creo que WhiteWall tenía un programa bastante nuevo de fotografías redondas. Yo estaba trabajando en una serie con dobles exposiciones de motivos paisajísticos y superficies de hormigón y pensé: «¿Redondas? Genial!» Había algunos de estos cuadros colgados en la galería y a menudo me paraba junto a visitantes para quienes esto era muy nuevo e inusual. A menudo oía «It's beautiful. But... it's round!». El resultado fue un diálogo entre el espectador y mi obra. El formato era sólo el gancho. La respuesta fue (casi) sólo positiva, las imágenes han permanecido en mi memoria.

¿En qué medida se reflejan en su arte experiencias o emociones personales y cómo influyen en sus decisiones creativas?

Todo lo que experimentamos, lo que nos conmueve, lo que nos asusta o nos da placer, consciente o inconscientemente, influye en nuestros pensamientos, sentimientos y acciones. Esto también se aplica al arte. Quizás incluso más en este caso, porque (supuestamente) actuamos de forma más libre y personal. No me atrevería a atribuir determinadas series o cuadros a una fase emocional concreta de mi vida. Pero sin duda hay tendencias. Aquí y allá me han llamado el «pintor oscuro» porque mis cuadros suelen ser bastante oscuros. Más pequeños que grandes, por así decirlo. Pero no soy (tan a menudo) melancólico o sombrío, que se podría asociar (superficialmente) con este estilo. Veo en él más posibilidades de pausa, de calma, de contemplación. Si no todo es inmediatamente reconocible, si las conexiones con una imagen sólo pueden surgir porque estás buscando pistas, puntos de referencia, tienes la oportunidad de acercarte a una imagen de forma diferente. Pero eso es sólo mi teoría, no hay ningún plan detrás, ocurre sin querer. Otro ejemplo de (mi) nivel emocional de una imagen o una serie: me gusta mucho Nueva York, aunque esta ciudad, especialmente Manhattan, es terriblemente ruidosa, todo es agitado, la gente suele ser brusca (pero cordial). Sin embargo, paradójicamente, puedo sentirme muy cómodo en este caos, casi relajado. Quería plasmar esta experiencia en una imagen. El resultado es la serie «Multivisión». Exposiciones múltiples caóticas que muestran exactamente eso: están mezcladas, son caóticas y, sin embargo, irradian una extraña calma. A ésta le siguieron Hong Kong y Estambul, entre otros, como motivos: es el mismo principio.

¿Qué hace que las impresiones artísticas sean especiales para usted? ¿Por qué eligió WhiteWall?

En primer lugar, me gusta trabajar con profesionales. En segundo lugar, el intercambio es estupendo, yo desde luego no conozco todas las formas de presentar un cuadro, con WhiteWall tengo tantas opciones, de las cuales puede que ni siquiera sepa cuál es la correcta. Aquí es donde entra en juego el intercambio, el asesoramiento. También es sencillo. Cuando planifico una exposición, puedo estar segura de que tengo un socio a mi lado que me apoyará y escuchará mis preguntas y quizá me proponga una idea que no se me había ocurrido. Lo que también es importante para mí es que los cuadros se producen aquí, in situ. Desde el moldeado del marco hasta la impresión artística (o la exposición) o el laminado. Todo se produce aquí, cerca de Colonia.